10 знаменитых режиссеров-художников, которых нужно знать • ARTANDHOUSES

Искусствo кинo и живoпись тeснo связaны мeжду сoбoй. Визуaльный ряд любoгo фильмa — тa oтличитeльнaя чeртa, пo кoтoрoй зритeли и критики зaпoминaют стиль рeжиссeрoв и любимую ими эстeтику. Нeрeдкo рeжиссeры и сaми обладают художественным талантом — имеют профессиональное образование или увлекаются живописью в свободное время. ARTANDHOUSES вспомнил известных режиссеров, которые оставили след не только в кинематографе, но и в искусстве.

Дэвид Линч

Дэвид Линч рисует картину «Маленький мальчик в своей комнате», 2009
Pennsylvania Academy of the Fine Arts

За шесть лет до того, как снять свой дебютный фильм «Голова-ластик», и задолго до того, как стать главным независимым режиссером Америки и создателем легендарного «Твин Пикс», Линч посещал Пенсильванскую академию искусств, где изучал живопись, скульптуру и фотографию. Живопись хоть и осталась для режиссера, скорее, хобби, в котором он черпает вдохновение для своих кинематографических работ (о чем, кстати, он говорил в недавнем документальном фильме о себе «Жизнь в искусстве»), но явно наложила отпечаток на его особый режиссерский почерк, который не спутаешь ни с одним другим. Занятия в академии искусств привлекли взгляд молодого Линча к анимации — его первой режиссерской работой стал именно мультфильм «Шестеро заболевают». Приверженность к анимационной перекладке, как и странных почти мультипликационных персонажей, можно увидеть и в фильмах Линча — особенно ярким примером здесь является, пожалуй, «Внутренняя империя».

На счету режиссера помимо таких культовых лент, как «Дикие сердцем», «Синий бархат» и «Малхолланд-драйв», еще и пятьсот художественных работ, в которых прослеживается явная связь с Линчем-кинематографистом. Художнику-режиссеру свойственна приверженность к черному, красному, охре, страсть к изображению вырывающихся демонов из человекообразных персонажей, отсылающих к образам Оскара Кокошки — одному из линчевских фаворитов. Первая ретроспектива картин Линча прошла, кстати, всего три года назад — в той самой Пенсильванской академии, где он когда-то учился. Однако еще в 2009 году некоторые из его работ привозили на выставку в московский Мультимедиа Арт Музей.

«I Burn Pinecone and Throw In Your House», 2009, Galerie Karl Pfefferle

«Rock with Seven Eyes», 1996

«Man With Thought», 2009

«Woman’s Dream», 2013

Питер Гринуэй

Пожалуй, самый известный режиссер с художественным образованием, что, собственно, заметно в каждой его картине. В них не только почти каждый кадр отсылает к живописным работам известных художников (британец сам признавался, что 90% его работ отсылают к картинам), но нередко и темой кинематографических опусов Гринуэя становятся сами художники. Вспомнить хотя бы первый его широко известный фильм «Контракт рисовальщика» про модного британского художника конца XVII века Нэвилла, из работ которого выстраивается настоящий детективный сюжет. Картины за своего героя, кстати, Гринуэй писал сам, он же рассказывал, что для визуального ряда «Контракта рисовальщика» вдохновлялся работами Караваджо, Рембрандта и Вермеера. И в световых нюансах и общих планах наметанный глаз легко узнает эти источники вдохновения.

На художественных аллюзиях сюжета замешаны и другие его работы — например, «Живот архитектора» и, конечно, «Ночной дозор», продолженный документалкой «Рембрандт. Я обвиняю!». Однако Гринуэй далеко не только поклонник «новых голландцев». Будучи студентом школы искусств, он любил поп-арт (в частности, Рона Б. Китая), что, кстати, заметно в его живописном творчестве. А в 2014 году он вместе со своей женой Саскией Боддеке специально для проекта в московском «Манеже» переосмыслял в инсталляциях и видео-арте шедевры русского авангарда.

«Four Rough Seas», 2009

«After the New Flood – Dark Continents», 2009

«After the New Flood – Measuring 2», 2010 | «After the New Flood – Gardens Site», 2010

«Shell Grid ABC 123», 2010

«Four Beaches», 2011

«Chernobyl 1986», 2011

«Ocean Floor Camouflage», 2011

Терри Гиллиам

Photo: Jay Brooks/Saga

Кинематографический мир Гиллиама наполнен ни на что не похожими, порой почти сказочными художественными образами. В них, как правило, множество узнаваемых деталей, которыми забит второй план, и уникальные главные герои, которых не спутаешь ни с кем другим. Во многом на это повлияло то, что свою карьеру Гиллиам начинал как художник-аниматор.

Создатель «Бразилии» и «Страха и ненависти в Лас-Вегасе» получил образование политолога, но не проработал по профессии ни дня. Его карьера началась с любительского юмористического журнала, который он издавал в колледже в перерывах между скучными занятиями по истории и политологии. Именно это увлечение привело Гиллиама на одну из британских студий, где он работал художником-аниматором, что, в свою очередь, сыграло главную роль при его знакомстве с будущими создателями сериала «Монти Пайтон». В последнем он занимался именно концептуальным оформлением и анимационными вставками. Абсурдистские визуальные решения сильно повлияли на Гиллиама-кинематографиста, в чьих последующих работах изображение играло роль, порой главенствующую над содержанием.

Гиллиам остается верен себе не только в ранних фильмах, но и в недавних «Воображариуме доктора Парнаса» и «Теореме Зеро». Сейчас режиссер работает над своим знаменитым долгостроем «Человек, который убил Дон Кихота», который, вероятно, удивит своим визуальным воплощением консервативных поклонников романа Сервантеса.

Детские рисунки Гиллиама | Карикатура Гиллиама на события на демонстрации

Кадр из фильма «Монти Пайтон и Священный Грааль»

Сергей Бондарчук

Сергей Бондарчук
кадр из фильма «Судьба человека»

Актер по образованию и главный советский режиссер, мастер батальных сцен и лауреат премии «Оскар» профессиональным художником не был. Однако о страсти режиссера к живописи его вдова Ирина Скобцева может рассказывать часами. Сложно представить, как один из самых загруженных советских режиссеров просыпается в шесть утра, чтобы нарисовать очередную картину.

Первые его опыты практически полностью были посвящены религиозным сюжетам. Но большая часть работ Бондарчука — это портреты, напоминающие иконы, или изображения его жены и детей. Не обходилось и без исторических персонажей, к которым питал явную страсть Бондарчук-режиссер. Несмотря на то, что в распоряжении главного советского постановщика была огромная съемочная группа, эскизы для той же «Войны и мира» он писал сам. И выглядели они как настоящие картины — не схематичные, а именно концептуальные и полноценные произведения живописи, передающие драматургию и характеры будущих кинематографических сцен, получивших известность не только внутри страны, но и за ее пределами.

Эскиз к фильму «Борис Годунов»

Фрагмент иконы «Жены-мироносицы»

Автопортрет в костюме Бориса Годунова | Портрет Ирины Скобцевой

Эскиз к фильму «Война и мир»

Фрагмент иконы | «Федя и Алена»

Жан Кокто

Жан Марэ и Жан Кокто на съемочной площадке «Завещания Орфея», 1959
Photo by Lucien Clergue

Мастер на все руки, авангардист, эстет, поэт, художник и режиссер Жан Кокто был одной из самых заметных фигур 1910–30-х во Франции. Начав с литературы, Кокто, получивший прекрасное воспитание и образование (его воспитывал дед-коллекционер, дома были картины Энгра, Делакруа, греческие статуи), постепенно увлекся и музыкой, и живописью, и кино.

Его художественные работы — графика, отражающая увлечение кубизмом, его фильмы, особенно первые, относящиеся к так называемой трилогии Орфея, — авангард, исследующий вопросы творческого вдохновения художника в широком понимании этого слова.

Графическая работа Жана Кокто

Серия рисунков

«Овен», 1982

Микеланджело Антониони

Микеланджело Антониони на съемках «Забриски-пойнт», 1970

По фильмам великого итальянского неореалиста несложно угадать в нем приверженность к живописи. Профессионального художественного, как, впрочем, и режиссерского образования классик европейского кино не получал — ограничился высшей школой экономики и коммерции в Болонье. Однако именно рисование наряду с увлечением кинокритикой всё-таки привели Антониони в мир большого кино. Даже его черно-белые ленты из так называемой трилогии отчуждения играют со светом так, как не снилось и многим современным картинам. Что уж говорить о «Красной пустыне» — его первой цветной кинематографической картине с отсылками к работам Фернана Леже, удостоенной главного приза Венецианского кинофестиваля.

Живописью Антониони увлекся после знакомства с работами Клода Моне. Известна также фраза режиссера, посетившего мастерскую Марка Ротко: «Ваши картины — как мои фильмы…Они очень точные…и ни о чем». Но фильмы Антониони — ни о чем и обо всем. Как и его примитивные импрессионистские опыты, ярко продемонстрированные в серии работ «Очарование горы».

«Divisi dal nero», 2005

«Quartieri visti dall’alto», 2003

«Attraverso le porte», 2004

«Le montagne incantate nr. 153», Museo Michelangelo Antonioni

«Le montagne incantate nr. 58», Museo Michelangelo Antonioni

Дерек Джармен

Дерек Джармен на кинофестивале в Венеции в 1991 году

Джармен, прославившийся фильмом «Караваджо», был профессиональным художником, окончившем Школу искусств Слейда при Университетском колледже Лондона. В киноиндустрию он попал будучи театральным декоратором, решив попробовать себя в качестве художника-постановщика (люди этой профессии достаточно редко затем становится режиссерами). Его дебютной работой в этом качестве стали «Дьяволы» Кена Рассела, который ввел в Голливуде моду на широкоэкранный эротизм и снял все табу на изображение секса на киноэкране. И успех фильма, где сексуальность была сопряжена с пуританскими нравами Франции XVII века, — в немалой степени заслуга и Джармена. Через год после выхода ленты он стал снимать свои первые короткометражные фильмы, но не забывал и о занятиях искусством. Сегодня его абстракции и инсталляции хранятся во многих мировых музеях, например в Tate Modern. А одна из крупных выставок его памяти проходила в культовой Serpentine Gallery в Лондоне.

«Blue», 1993, Tate

«Ataxia — Aids is Fun», 1993, Tate

«Queer» , Manchester Art Gallery

Джулиан Шнабель

Кадр из документального фильма «Julian Schnabel: A Private Portrait»

Шнабель, родившийся в Бруклине 1951 году, в 1980-х стал одним из самых активных представителей нью-йоркской арт-тусовки. А к середине 1990-х совершил вполне логичный шаг — снял свой первый фильм «Баскиа» по мотивам своих же воспоминаний, посвященный той самой тусовке и роли в ней Жан-Мишеля Баскии (а заодно и Энди Уорхола) в частности. После Шнабель снял еще несколько фильмов, исследующих проблемы художников в широком понимании этого слова, среди которых «Пока не наступит ночь» и «Скафандр и бабочка». Искусство Шнабель тоже не забросил — его живописные коллажи с осколками посуды востребованы музеями и коллекционерами: на последней ярмарке искусств BRAFA в Брюсселе одна из галерей посвятила им целый стенд.

«Religious Painting for Michael Tracy», 1975, Copyright Julian Schnabel

«I Don’t Want to Be King, I Want to Be Pope», 1977, Copyright Julian Schnabel

Ежи Сколимовский

Ежи Сколимовский, Cineplexcom

Польского режиссера Ежи Сколимовского в России знают меньше, чем его земляков Романа Полански и Анджея Вайду, однако это не означает, что его фильмы как-то уступают работам перечисленных режиссеров, с которыми, кстати, работал Сколимовский — он писал сценарии к «Невинным чародеям» и «Ножу в воде». Кинематографический стиль Сколимовского энергичен и даже дерзок. Даже его недавняя работа «11 минут», которую Сколимовский снял в возрасте семидесяти шести лет, удивляет энергией, которой нет у многих молодых режиссеров. Во время своего семнадцатилетнего перерыва в кинокарьере, который пришелся на 1990-е и начало 2000-х, Сколимовский увлекся живописью. В одном из интервью постановщик назвал кино хаосом, а искусство — дзеном. И это очень точно отражает его работы — дерзкие кинематографические ленты и нежные, замысловатые, но при этом крайне простые живописные произведения.

Живописная работа, www.jerzyskolimowski.pl

Живописные работы, www.jerzyskolimowski.pl

Акира Куросава

Акира Куросава на съемках фильма «Ран»

Культовый японский режиссер, который обратился к кинематографу после занятий живописью. Писать картины он начал в детстве, и именно с этим хотел связать свою дальнейшую жизнь. В четырнадцать лет Куросава учился в школе западной живописи Doshusha и собирался продолжать обучение, однако в Токийскую художественную школу его не приняли. Тем не менее уже в восемнадцать его картина «Сэйбуцу» была представлена на престижной выставке «Ника-тен», а через год Куросава вошел в Японскую ассоциацию пролетарского искусства, созданную под влиянием идей марксизма. Политика, впрочем, впоследствии и оттолкнула Куросаву от ассоциации, да и вообще от профессиональной живописи. Впрочем, совсем рисовать он не бросил и в свободное от кино время брал в руки кисть или карандаш. Его картины и графика и при жизни выставлялись в музеях, а в международных издательствах вышло и несколько альбомов.